《鳴潮》第一次，熟練得嚇人

文/二弦

導語

一種《鳴潮》氣質

做編輯做到現在，我也算是個二游演唱會常客了。

不過，我大多時候不會去寫一篇演唱會。

為什么呢？

因為我自認為，實在難以用文字去轉述現場那一份蕩漾在成千上萬顆心之間的共感。

我每次想要去還原，希望更多的人能夠理解二游演唱會意義時，就會無比認同齊澤克所描述的，所謂象征的匱乏，即象征秩序永遠追不上真實的經驗，語言抵達之處，總留著一塊無法被符號收編的剩余。

文字是蒼白的，能傳達的，可能不及現場玩家情感的十分之一。

所以，在7月16日晚上，我走出上海東方體育中心的場館時，心里除了在想，“上海的酷暑真不是人能消受得了的”之外，就是：“要不干脆不寫了吧”。

需要澄清的是，這絕對不是我想偷懶。

周圍玩家意猶未盡的討論、臉上掛著的笑容，讓我覺得，既然情緒已經這樣飽滿地留在了每個玩家身上，有關演唱會的感受，又何必要我去復述？

再者，一些玩家，對于自身感受的刻畫，遠比我作為旁觀者去臨摹更有說服力，他們在社交媒體上吐露的肺腑之言，恐怕比我去大書特書“看哭了”，要純粹得多。

那，為何各位又看到了這篇文章？

因為，后來我意識到，即便無法還原現場的同心共鳴，但我必須要說，這次《鳴潮》“致予新世界”演唱會，作為庫洛第一次舉辦以游戲音樂為唯一主題的大規模線下活動，所呈現的效果和完成度，并不像是庫洛的第一次。

就好像和你一起長大的發小，突然甩了張清北畢業證在你面前一樣的莫名其妙。

我想表達的是，庫洛在去年FEST實現大型漫展式線下場景搭建的0到1跨越之后，再一次成功完成了純演出形的線下場景嘗試，關鍵是，這場成功的演唱會，依然帶有鮮明的、獨屬于《鳴潮》的質感。

01

演出的線索

在講《鳴潮》演唱會之前，大伙先不妨思考一下，到底什么樣的現場演出，才配得上一個好字？

這個問題聽來有些空泛，如果非要說，自己喜歡的當然就是最好的演出，但如果不那么主觀，其實，一場演出的好壞，也是有評價標準的。

這里牽涉兩個專業概念，其一是戲劇構作，這個概念原用于戲劇理論，但我想借其指代演出一二，拿演唱會來講，就是我們應該關切曲目與段落之間的關系，關切整場演出有沒有一條清晰的內在脈絡，有沒有起與落。

如果有，那么就是好。

再一個標準，叫總體藝術作品，是由瓦格納提出的概念。他反對把歌劇寫成一連串炫技詠嘆調的拼貼，主張音樂、戲劇、詩歌、舞蹈與舞臺美術應當作為平等的伙伴彼此咬合，共同服務于同一個表達。

順著這條思路延伸到今天的舞臺，一場好的演唱會，那么舞臺的燈光、布景與走位，都應該與音樂居于同等位置，彼此成全。

概括來說，一場好演出，既要有貫穿全場的整體思路，又要有各元素之間的協同。

如果我們帶著思考去審視《鳴潮》演唱會，那么就會發現，它與這兩點不謀而合。

首先，整體結構層面，這場演唱會基于漂泊者旅程腳步的時間線索串聯而成，瑝瓏、黎那汐塔、拉海洛的三大組曲，共同構成了這部濃縮了過去近兩年時光的索拉里斯樂章。

瑝瓏系列組曲，為了避免報菜名，我就簡單提倆代表曲目，比如《鳴潮》1.0系列版本的登錄界面主旋律《Saving Light》，尤其對開服玩家而言，這段旋律近乎一種聽覺上的條件反射，作為序曲，再合適不過。

而幾個角色的角色曲，比如岸寶的EP《繁星、新生、與你》、椿的角色歌《一千萬種可能》，則負責調動玩家的情緒和回憶，慢慢收攏到一個個角色的悲歡上。

二游的玩家記憶，基本濃縮于角色身上，而曲目的作用，則是在這座位于上海，遠離索拉里斯的數百平米的現實空間中，激活玩家的記憶。

同時，情緒的遞進，也交由組曲切換的銜接曲來做，在瑝瓏向黎那汐塔過渡的過程中，這首曲目毫無疑問的屬于仇遠的《劍匣破》。在劇情中，他既是黎那汐塔故事的關鍵人物，又有著前瑝瓏鎮撫司千戶的身份，本就是橋梁式的角色。

其用一段凜冽的劍意，把瑝瓏那股東方氣韻穩穩兜住，不讓它過早泄掉，讓演唱會自然行進到城邦文化，展現更加多元的調式風格。

在黎那汐塔組曲中，尤為重要的《愿戴榮光墜入天淵》&《逆潮》連攜，弗洛洛《酣夢于彼岸深紅》還有《遠光點》，電子與搖滾的現代骨架里，混雜著凱爾特曲風的悠遠和格里高利圣詠的莊嚴等等風格，接連轟炸。

我之前在寫3.5時，提到過《鳴潮》的風格變量，可以說在現場再次深刻意識到了這一點。

如果說《劍匣破》是組曲之間的橋，那么黎那汐塔就是整場演唱會的橋，更是情緒調動的橋，在這一段，crywolf等歌者的漂亮演繹下，全場情緒已經被完全拉升，而《鳴潮》選擇讓攀升的情緒傾瀉在拉海洛的部分。

在這一部分，不得不說的就是Tarokiki老師，在我看來她足以稱得上撐起了構成拉海洛印象的關鍵段落，也就是和愛彌斯有關的曲目，三天三場，《紙飛機》《遠航星的告別》《那顆星夢見的春日》，切入愛彌斯在玩家心中留下的最刻骨銘心的一段故事。

《拉海洛之心》和畢業歌，又是一重全新的情感組合，分別象征著拉海洛故事底層昂揚的探索精神、以及離校之日的情緒，現場的不少玩家，都是高考之后，離開校園，又即將踏入新的人生階段的準大學生，作為畢業歌的《星炬不熄》，他們，或許會更有感觸。

曲目與曲目之間，夾著今汐的述說、夏空的大招大合唱、鑄幣大頭的暖場串聯，讓這場復述《鳴潮》索拉里斯旅程幾乎沒有Pee time，尤其對于一路玩到今天的玩家來說，殺傷力尤其顯著。

這便是我上面提到的“戲劇構作”在《鳴潮》演唱會結構上的落地，庫洛想做的，是讓全場玩家跟曲子重走一遍回憶，同時，演唱會也在不經意間回扣了《鳴潮》的設計概念。

即聲音、頻率，串聯著索拉里斯中玩家經歷邂逅與分別，是組成《鳴潮》的基本粒子，也在此刻，成為了讓臺上臺下彼此共振的關鍵介質。

二游音樂幾乎從不獨立存在，每一段旋律背后都錨定著劇情、角色、和玩家的情感，重聽旋律，本質上就是“喚醒記憶”，共同的記憶，會調動同樣的感受，所謂的共情，就此形成。

說到這，回頭再看瓦格納的主導動機，你也會發現，這場演出用三十多首歌的長度，譜成了一支屬于漂泊者的歷史，有著明顯的敘事調度。而且，它還從音樂中外溢，漫進了燈光、布景與舞美。

這也帶出了我們的第二標準，舞臺元素之間的協同。

02

舞臺之上，皆是主角

這些年，游戲音樂的現場演出已發展得相當成熟。

基本上，二游的線下演出都是表演者在前復現游戲配樂，身后大屏游戲畫面流轉，喚起觀眾的記憶。這套做法沒啥問題，但是，誰才是舞臺真正的重心，其實很難說清。

多數時候，游戲音樂的現場是一場聽覺主導的懷舊，畫面是旋律的視覺注腳。

但正如我上面說的，如果一臺演出視覺的部分只停留在放播片，那么我們就可以說舞臺是失衡的。

《鳴潮》的發力點也在于此，庫洛讓臺上的視覺元素主動參與到“演出”這件事里，格外加重了舞美的分量。在這個過程中，《鳴潮》瓦格納那套關于整合舞臺的理想，真正落到了現實中。

首先，《鳴潮》把不少曲目重新編排成了帶有戲劇動作的舞臺段落。

比如卡提希婭的相關曲目，舞臺演員對于被束縛的戲仿，游戲中的荊棘鏈條化作白娟，束縛住舞者，形成了現實與虛擬的互文，《逆潮》終末，芙露德莉斯一劍開海的高潮，也借助東方體育中心可變舞臺、超分超寬大屏帶來的視覺強化，實現了張力的放大效果。

有時候視覺就是靠硬件堆上去的，這個不能不服。

再一個特別能體現《鳴潮》舞臺整合度的，依然是仇遠的《劍匣破》。

這個段落的舞臺之所以典型，是因為被庫洛處理出了縱深，首先大屏，不是單純放播片和2D形象，水墨與竹影，沒有還原游戲里任何一張具體的場景，它只是一組被高度提煉過的屬于角色的視覺母題，作為一種符碼存在。

關鍵是前景，也就是兩名對劍的俠客伴舞，這是相當典型的形體劇場手法，以身體動作本身作為敘事的主要媒介。兩名舞者的這場對劍，早已越過了裝飾性伴舞的功能，他們用身體的攻防、進退與定格，把角色歌里那些原本抽象的東西外化：兩人的對峙，宿命般的緊張，既是仇遠本身的武俠氣質，又可以是他劇情中與哥舒臨的對決。

這個段落里，濃縮著貫穿《鳴潮》演唱會始終的特質，也就是一種“通感”的協作。

旋律與演唱入耳，前景是一場看似與游戲無關卻又能帶來相關聯想的表演，后景的水墨為這一切墊上情緒的底色，視聽感官通道被完全調動，歌手、舞者、舞臺、巨幕、燈效，沒有一個是配角，它們共同撐起了一個飽滿的敘事空間。

這種整合度出現在許多歌曲中，黎那汐塔組曲中，奧古斯塔的《烈陽啊，請見我真名》，尤諾的《月終恒常與瞬息》就展現了裝置藝術的作用，黎那汐塔《一出好戲》和《晝夢盛宴》動用了大批舞臺表演者，他們扮演著聲骸與愚人樂團成員，還原了黎那汐塔狂歡節式的多人舞臺。

還有讓星空鋪滿視野的《若能觸及群星》的大屏幕行星拖影、西格莉卡《L!!!!ght》的群舞。

亦或者說，演出后端，“安可”捏他“安可”的設計，每一個橋段，都讓《鳴潮》演唱會從歌曲的延長，升格為了通感空間。

即便《鳴潮》用的仍是最常規的鏡框式舞臺，由于深度采用了沉浸式劇場那套用滿場調度去制造包裹感的邏輯，讓坐在臺下的人產生一種溫柔的錯覺，仿佛短暫地站進了真實的索拉里斯。

在這數小時內，你能明確感受到，《鳴潮》讓旋律司掌聽覺，舞者司掌形體，燈光司掌空間氛圍，造景則負責強化印象，而這套整合思路，貫穿了整個演唱會全程。

這份綜合性的成熟是視聽效果的地基，而真正讓它成立的，是那些早已刻進玩家心里的劇情與角色，臺上每一個精心設計的瞬間，都是點燃情緒的引信，而記憶，負責讓這一切真正進入人心。

結語

這兩年在《鳴潮》成功之后，庫洛顯然是在積極嘗試IP的繼續發展，我曾在之前不止一次提及線下場景對于二游的重要性，其最重要的作用，就是為二游后置的“社交屬性”提供了載體。

二游的體驗大多是個人的，玩家先要獨自經歷劇情里的悲歡，但那份并在體驗中累積的情緒，終究需要一個出口。

拿這次演唱會來說，在由東方體育中心這方場館圈定的有限空間里，《鳴潮》的玩家們終于能夠彼此看見，意識到原來為同一段劇情哽咽的，不止他一個人；原來同樣的悸動，不止他一個人感同身受。

孤獨的私人體驗，在那一刻兌現，成為了共同的集體記憶。

這正是線下場景無法被線上替代的地方。

而這背后，正是因為，《鳴潮》對于版本內容的持續累積、打磨，帶來了足夠令人印象深刻的故事與角色，以及足夠優質的音樂儲備；庫洛的號召力，請到了足夠有線下實力的合作音樂人；再加上明顯經過設計的選曲動線與舞美搭建，諸多力量擰在一起，才讓《鳴潮》演唱會的整體舞臺效果顯得這樣成熟。

并能夠承擔得起，數千玩家的情感振蕩。

寫到這里，我真的想追問一句：庫洛第一次，憑什么能熟練到這個地步？

轉念一想，這份熟練其實一點都不突然。

對庫洛而言，這的確是第一次辦線下演唱會，卻遠算不上第一次“做演出”。

《鳴潮》這款游戲本身，就是一件把演出刻進骨子里的產品，這兩年，它在過場動畫里的運鏡，在角色演出里對動作與情緒的編排，在劇情關鍵處對節奏與留白的拿捏，都得到了長久的錘煉。

當場地換到線下，當畫面換成了真人、舞者與實體舞臺，或許，《鳴潮》演唱會，也繼承了用視聽語言把故事講好的肌肉記憶。

而這，也是我在開頭所說的，那種只屬于《鳴潮》的氣質。